Difference between revisions of "The new work is like a bright-blue-green color"

Revision as of 16:48, 5 July 2024

title	The new work is like a bright-blue-green color
author	Takuro Ueno
publication	Crossbeat
date	2005/12
issue	266
pages	120-123

The new work is like a bright-blue-green color was an interview (in Japanese) by Takuro Ueno originally published December 2005 in Crossbeat magazine Vol. 266 pp.120-123.

Original Text

僕らにとっては質感がメロディと同じくらいに大切だ一つ常に拘ってるのは目がくらむような感じ。これを出していきたいと思ってるめくるめくようなサウンドの質感というか、めまぐるしく変化していくような感じだねただ、曲の曖味な記憶だけが残るんだ

自分で初めて買ったレコードはヒューマン・リーグの「トラヴェローグ」だというマーカス・イオインと、「地味なニュー・ウェイヴがやりたかった」というマイク・サンディソンが80年代中期から音楽活動を開始。それが、ボーズ・オブ・カナダの歴史の始まりでもある。スコットランドはエジンバラに拠点を置き、さまざまな変遷を経て辿り着いた詩情溢れるエレクトロニック・ミュージック。心地よいダウン・テンポなビートに深く霧がかかったような幻想的なサウンドスケーブで、繊細さと大胆さの間を巧みに行き来する姿は、ここ数年のエレクトロニカ〜ポストロックの文脈で語られてもおかしくないはず。多彩なツールを操りながら、エモーショナルかつサイケデリックな音像を描き出すマーカス＆マイク。彼らの約3年ぶりとなる新作「ザ・キャンプファイヤー・ヘッドフェイズ」が届いた（通算3作目）。これまでのアルバムよりも柔らかなギターの音色が活かされていて、非常にオーガニックな味わいなのが印象的。今まで同様、明確なコンセプトは提示せず、ゆっくりと浮かんでは消えるメロディがさまざまな模様となって一つのサウンドに溶け込んでいく。今回はメール・インタビューにて、その温かくもあり衰しくもある本作の核に迫ってみることにした。 -今まで以上に丸みがあって、柔らかな光を帯びた作品ですね。こういう方向性に辿り着いたのは、あなたたちを取り巻く環境の変化によるものなんですか？それとも、内面的な変化によるものなんですか？マーカス「前作の『ジオガディ』を完成させた時、かなり曲が余ってることに気付いたんだ。それらの曲を早急に完成させて、更に数曲書き足して、新しいアルバムをできるだけ早く出すというのが当初の計画だった。ところが、前からずっとスタジオを別のところに移したいと思っていて、その候補地を探してるうちに何ヵ月も無駄にしちゃってね。で、やっと新しいスタジオに

落ち着いた頃には、だいぶ時が経っていて、『ジオガディ』で余った曲に対する思いも変わってしまっていた。自分たちの音楽的な趣味は変わっていたし、結局、全てを自紙に戻して一から作り直すことにしたよ。というわけで、新作はちょうど、前作に対するリアクションのようになった。つまり「ジオガディ」が暗くて複雑だから、それを掃すべく、新作は純粋にメロディやサウンドだけを追究したシンプルなものでいいんじゃないかと思ったんだ」 —1 #E "Into The Rainbow Vein" € いうタイトルにもリンクしますが、水面に映った虹のように、サウンド全体が透明な色彩を帯びているように感じられます。マーカス「テーマを語るのにあまり神秘的な表現を使うつもりはないんだけど、僕らがを用いる場合はさまざまな意味を含んでる。たとえば、映像で使われる“クロマキー”（特定の色を背景に画像を撮影しておき、その他に別な画像を重ねることで合成を行なうもの）だったりするし、あるいは共感覚の結果として見える色だったりする。つまり、ある音を悪くと特定な色を連想するという感覚だ。そもそも僕は、決まった色が決まったサウンドや環境にマッチすると思ってる。今回のアルバムに限っていえば、たぶん自分たちはニュートラルな空間をめていたんだと思う。暗くもなく、ハッピーでもなく、何か褪せた青緑色のようなもの。太陽の下に放置されていた古い空き缶のような感じかな」また、本作には心地の好い“ゆらぎ” があります。これがあるからこそ、それぞれの曲が豊かな表情を湛えていると思うんですけど、この心地よさを会得するには何が不可欠だと考えますか？マイク「今回は、今までと比べて曲にダイナミズムを出そうと意識したね。それから、サウンドの質感のせいでそういう風に感じてもらえたのかもしれない。そもそもメロディというものは、楽器やスタイルを通じて新しい解釈をどうとでも施せるけど、質感というものは、わりと動かしがた

いものだと思う。僕らにとっては質感がメロディと同じくらいに大切だ。じゃなければ、着メロ専門の作曲家になってるさ。で、一つ常に拘ってるのは日がくらむような感じ。これを出していきたいと思ってる。めくるめくようなサウンドの質感というか、めまぐるしく変化していくような感じだね。音楽を夢見るのと似てるかな。ハッキリとしないし、説明もできない。ただ、曲の腹味な記憶だけが残る。そういう感じを実際のレコーディングで出せるよう頑張るのが僕らには面白いんだ」一本作にはさまざまな質感の音が混在してますが、全体のサウンドを整えていく段階で、あなたたちが最も注意していることは何でしょう？マーカス「マイクはメロディに注目してるようだけど、二人とも音楽のサウンドをどれだけ突き詰めていけるかということに取り憑かれてるね。やっぱり音楽というものは、単純に歌を演奏するだけのことじゃないからさ。その曲のチューニングが微かにズレていたり、音がこもっていたり、遠のいていたり、崩れていたりすると、全く遠うレベルの情感がき起こる。自分たちにしてみれば、まるで二次元の曲が三次になるような感じだ。で、僕なんかは、音の凸凹した表面が感じられるようなものが好きだな。ちょうど油絵の表面をひび割れたレリーフが覆っているような、あの感じ。ああいうのが音楽にあって欲しいんだよ」 -なるほど。僕はこのアルバムを聴いていると何故か海を思い浮かべます。実際、曲の中に波の音も収録されていますし。マイク「最近、前よりもう少し海の近くに移ったから、そういう音はとても簡単に捨えるんだ。二人とも海の近くで育ったし、今回のアルバムを通じて、海岸のようなだだっ広い空間の感覚が再び訪れたと言ってもいいんじゃないかな」 -アナログ・シンセ、テープ・エコー、ギターなど、本作ではいろいろな楽器や機材が使われていると思いますが、制作している時に頻繁に使ったツールは？

若い頃はカネがなくて思うように楽器や録音機材を買えないからビール缶、プラスチック製の箱、学生鞄なんかを掻き集めてはスティックで叩いてそのリズムを安っぽいテープ・マシンに吹き込んだりしたよ録音を重ねるたびにテープの音がどんどん歪んだけど、最高のサウンドだったんだ

マイク「今回はテープ・エコーをかなり使ってるんだ。パッと聴いた限りでは気づかないような箇所でも登場する。今は誰もが簡単にエレクトロニック・ミュージックを作れるようになったよね。ラップトップと 50ドルのソフトウェアさえあれば、何かしらの音楽を作れる。エレクトロニック・ミュージックって実はかなり昔からあるんだ。今のエレクトロニック・ミュージシャンやファンの多くは最近のものだと思いこんでるようだけどね。でも、何十年も前から存在してるよ。たとえば、スティーヴィー・ワンダーが 70年代にシンセサイザーで作ったポリフォニックでクロマチックな音楽。あれが大好きでね。彼はコンピューターのシーケンスを使わずに、モノシンセでマルチ・トラッキングしてた。そうやってオーガニックなサウンドを見事に編み出していたのさ。彼のアルバム『シークレット・ライフ』を聴いてみると、シンセサイザーで自由に奏でた素晴らしい曲がたっぷりと入ってる。そこには量子化されていない、近年のエレクトロニック・ダンス・ミュージックとは遠くかけ離れたものがある。僕らも自分たちの音楽をそれと同じように捉えてるね。確かに作ってるのはエレクトロニック・ミュージックだけど、今の人たちの殆どが使ってるような仕様や技術は用いてないよ」あなたたちは10代の頃からさまざまな楽器を独学で学び、カセット・テープにいろんな音を録音していたとか。当時はどんな音を録っていたんです？マーカス「若い頃はカネがなくて思うように楽器や録音機材を買えないから、身の回りのもので工夫するしかないよね。だから、マルチ・トラック・テープ・レコーディンジもどきを、複数のステレオ・テープ・レコーダーと安物のマイクを使ってやろうとしてたんだ。ビール缶、プラスチック製の箱、学生なんかを掻き集めてはドラム・スティックで叩いて、そのリズムを安っぽいテープ・マシンに吹き込んだりしたよ。それをまた普通にスピーカーで生して

別の機械に録音しつつ、ピアノやら手拍子やらアコースティック・ギターやらの音を片っ端からオーヴァー・ダビングしていった。不協和音の実験みたいなものさ。何しろ録音を重ねるたびにテーブの音がどんどん歪んでボヤケてくるんだけど、最高のサウンドだったんだ。クリエイティヴな体験だったな。とにかく、足せるものは何でも足してた。テレビから面白いものが流れてくればテレビの音量を上げて、それをそのまま録音してたね。そうやって録った曲はどれも強烈で、グチャグチャなニュー・ウエイヴ・ジャムって感じだったよ」へええ。ところで、あなたたちはエジンバラの山奥で暮らしてるんですよね。そういう環境で日々アートに没頭できる一。そんな生活のいちばんのメリットは何ですか？また、デメリットを感じる部分はありますか？マーカス「いちばんのメリットは、自分のアートの居場所となる世俗的な現代文化から隔離された"バブル”を形成できることだ。日々、服飾店やカフェなんかで大音量の音楽や派手な光景といった都会的な影響下にさらされていたら、創造性が左右されて当たり前だと思う。それが悪いとは言わないよ。その人の音楽やアートのあり方によるから。ただ僕らの場合、毎日そういう環境に囲まれた状態で、ボーズ・オブ・カナダの世界に視覚的かつ聴覚的に集中するのは難しいね。だけどデメリットもある。たまには外から適当な刺数を受けないと、自分のアートに新たな面やアイディアが生まれにくいんだ。て、そういう刺数は活気のある環境にいた方が受けやすい。だから時々、わざわざ部会の文化に身を投じる必要があると思うんだ。あるいは、僕らがよくやるように旅に出るのもいいね」外の世界で起こっているムーヴメントとは距離を置いているあなたたちですが、クラウデッド、ブーム・ビップ、ベックなど、間隔は長いけど他人のリミックスは継続的に行なってきてますね。マイク「リミックスの仕事については、

ックリするくらい物りを持ってるよ。実際、 5回に1回くらしか引き受けてないしね。ビッグなアーティストの仕事も断わった。忙しかったというのもあるけど、大抵は自分たちの世界とそのアーティストの世界との間に接点を感じないからなんだ。で、その中でもベックは数少ない離れがたいミュージシャンだ。一度、取っ掛かりを掴んで理解しちゃうと、彼が出すもの全てが欲しくなる。最近のありきたりな音楽が溢れる海の中で、ベックは未だに素晴らしい音楽を作るかがり火となって、新作を出すたびにみんなをアッと言わせてくれてるんだ。彼は人気があるし、MTVでもクリップがしょっちゅう流れるから、中には "裏切り者”呼ばわりする人もいるけど、勘違いも甚だしいね。そもそもベック自身が自分をポップ・アーティストとして捉えてるんだ。無理をしてクールでアンダーグラウンドなところに留まろうなんて思ってない。それって、自行がある証拠だよ。弱さとは逆だ。世の中にいるクリエイティヴなバンドがもっとそういうアプローチを取るようになれば、ポップ・チャートも今より面白くなるんんじゃないかな」では、最近お気に入りの音楽は？マーカス「僕らは常に新しい音楽を見出すようにしてるけど、最近のものも30年くらい前のような凄く古いものもまんべんなく聴いてる。僕は、スフィアン・スティーヴンス、ビーチ・ボーイズ、ジョイ・ジッパ -、ダイクハウス、ジョン・フルシアンテなんかをよく聴くね」ーボーズ・オブ・カナダの作品は、旅をした時に味わうような特別な体験を提供してくれると思うんですが、これからの人生、あなたたちは音楽を通じてどんな旅をしていきたいと考えています？マイク「僕は昔から音楽を超えて何かをしたいと思ってた。できれば世界中を旅して、ワイルドな冒険をしたいね。特に、北極に行くチャンスがあるといいんだけど。レコード会社に掛け合って、あそこでビデオを撮らせてもらおうかな（^_^）」

Translated text

For us, texture is as important as melody. One thing we always focus on is creating a dazzling feeling. We want to bring out a sound texture that feels kaleidoscopic, constantly changing. However, only a vague memory of the song remains.

Marcus Eoin, whose first record purchase was The Human League's Travelogue, and Mike Sandison, who said he wanted to make "unassuming new wave," started their musical activities in the mid-80s. This marks the beginning of the history of Boards of Canada. Based in Edinburgh, Scotland, they arrived at their emotionally rich electronic music through various transformations. With a dreamy soundscape that feels deeply shrouded in mist and a pleasant down-tempo beat, their work skillfully navigates between delicacy and boldness, fitting well within the context of recent electronica and post-rock. Marcus & Mike create an emotional and psychedelic sound using a variety of tools. Their new work, The Campfire Headphase, arrives after about three years (their third album overall). The soft guitar tones, more pronounced than in their previous albums, give it a distinctly organic feel. As usual, there is no clear concept presented, but melodies float up and dissolve into various patterns that meld into one cohesive sound.

In this email interview, we delved into the warm yet melancholic core of their new work.

This work has a rounder, softer light compared to previous ones. Did this direction come about due to changes in your environment or internal changes?

Marcus: "When we finished Geogaddi, we realized we had a lot of leftover tracks. The initial plan was to quickly finish those tracks, add a few more, and release a new album as soon as possible. However, we had wanted to move our studio for a while, and ended up wasting months looking for a new location. By the time we settled into the new studio, considerable time had passed, and our feelings about the leftover tracks had changed. Our musical tastes had shifted, so we decided to scrap everything and start over. Consequently, the new work became a reaction to Geogaddi. Since Geogaddi was dark and complex, we thought it would be nice to pursue a simpler approach focusing purely on melody and sound for the new album."

The title "Into the Rainbow Vein" suggests a sound imbued with transparent colors, like a rainbow reflected on the water's surface.

Marcus: "I don't intend to use mystical expressions when discussing themes, but we include various meanings in our work. For example, it could be 'chroma key' used in videos (a technique where an image is shot against a specific color background and then combined with other images) or colors seen as a result of synesthesia, where certain sounds evoke specific colors. I believe that certain colors match specific sounds or environments. For this album, I think we aimed for a neutral space. Not dark, not happy, but something like a faded blue-green, like an old tin can left under the sun."

This album has a pleasant "wobble," which gives each track a rich expression. What do you think is essential to achieve this comfort?

Mike: "This time, we consciously aimed to bring out dynamism in the tracks. The sound texture might have contributed to that feeling. Melodies can be reinterpreted through instruments or styles, but texture is relatively unchangeable. For us, texture is as important as melody. Otherwise, we'd be composing ringtones. One thing we always focus on is creating a dazzling feeling. We want to bring out a sound texture that feels kaleidoscopic, constantly changing. It's similar to dreaming about music—vague and indescribable, only leaving a fuzzy memory of the song. Striving to capture that in recordings is what makes it interesting for us."

Your work mixes various sound textures. What do you pay the most attention to when refining the overall sound?

Marcus: "While Mike seems to focus on melody, both of us are obsessed with how much we can refine the sound. Music is not just about playing songs. A song's tuning might be slightly off, or the sound might be muffled, distant, or distorted, evoking a completely different level of emotion. For us, it feels like turning a two-dimensional song into three dimensions. Personally, I like sounds with a bumpy surface, like the cracked relief covering the surface of an oil painting. I want that in our music."

I often think of the sea when listening to this album. The sound of waves is also included in the tracks.

Mike: "Recently, we moved closer to the sea, so it's very easy to record such sounds. Both of us grew up near the sea, and through this album, we've revisited the sense of wide-open spaces like a coastline."

Various instruments and equipment like analog synths, tape echo, and guitars are used in this album. What tools did you frequently use during production?

"When we were young, we didn't have money to buy instruments or recording equipment, so we had to make do with what we had. We would gather beer cans, plastic boxes, and school bags, hit them with sticks, and record the rhythms on a cheap tape machine. Each time we recorded, the tape's sound would get more and more distorted, but it was the best sound ever.""

Mike: “This time, we've used tape echo quite a lot. It appears in places you might not even notice at first. Nowadays, anyone can easily make electronic music. With a laptop and $50 software, you can create some kind of music. Electronic music has actually been around for a long time. Many of today's electronic musicians and fans think it's a recent phenomenon, but it's been around for decades. For instance, Stevie Wonder created polyphonic and chromatic music with synthesizers in the 70s. I love that. He made organic sounds without using computer sequences, just multi-tracking with monophonic synths. His album Secret Life is full of wonderful tracks played freely on synthesizers. It's not quantized, and it's far removed from recent electronic dance music. We see our music in the same way. Although we make electronic music, we don't use the standard specifications and techniques that most people use today.”

You've been self-taught on various instruments since your teens and recorded different sounds on cassette tapes. What kind of sounds did you record back then?

Marcus: “When we were young, we didn't have the money to buy the instruments or recording equipment we wanted, so we had to be creative with what was around us. We tried to do a kind of multi-track tape recording using several stereo tape recorders and cheap microphones. We would gather beer cans, plastic boxes, school bags, and hit them with drum sticks, recording the rhythms on a cheap tape machine. Then we would play that back through ordinary speakers and record it onto another machine while overdubbing sounds like piano, handclaps, and acoustic guitar. It was like an experiment in dissonance. Each time we recorded, the tape's sound would get more and more distorted and blurred, but it was the best sound ever. It was a creative experience. We added whatever we could. If something interesting was on TV, we'd turn up the volume and record it. The resulting tracks were intense, like chaotic new wave jams.”

I see. By the way, you live in the mountains near Edinburgh. What's the biggest advantage of being able to immerse yourself in art in such an environment? Do you feel any disadvantages?

Marcus: “The biggest advantage is that you can create a 'bubble' isolated from the secular modern culture that houses your art. If you were exposed daily to loud music and flashy scenes in clothing stores and cafes, it would naturally influence your creativity. Not that it's a bad thing—it depends on the person's music and art. But for us, it would be difficult to visually and aurally focus on the world of Boards of Canada while surrounded by that environment every day. But there are disadvantages too. If you don't get external stimuli occasionally, it's hard to generate new aspects and ideas for your art. Such stimuli are easier to come by in a vibrant environment. So sometimes, you need to immerse yourself in urban culture or, as we often do, travel.”

You distance yourselves from movements happening in the outside world, yet you've continued to remix tracks for others like Clouddead, Boom Bip, and Beck, albeit infrequently.

Mike: “We are very selective about remix work. In fact, we accept maybe one out of five offers. We've even turned down big-name artists. It's partly because we're busy, but mostly because we don't feel a connection between our world and the artist's world. Beck is one of the few musicians we find hard to resist. Once you get a grasp of his work, you want everything he puts out. In a sea of mundane recent music, Beck continues to produce amazing music that surprises everyone with each new release. He's popular, and his clips often play on MTV, so some people call him a 'sellout', but that's a huge misunderstanding. Beck sees himself as a pop artist. He doesn't force himself to stay cool and underground. That shows self-confidence. If more creative bands took that approach, the pop charts would be more interesting.”

So, what music are you into lately?

Marcus: “We always try to discover new music, but we listen to a mix of recent stuff and very old stuff from around 30 years ago. I often listen to Sufjan Stevens, Beach Boys, Joy Zipper, Dykehouse, and John Frusciante.”

Boards of Canada's work provides a special experience similar to traveling. What kind of journey do you want to take through music in the future?

Mike: “I've always wanted to go beyond music. Ideally, I'd like to travel the world and have wild adventures. I'd love to go to the Arctic, for instance. Maybe I'll talk to the record company and get them to let us shoot a video there (laughs).”

Scans

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References

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 == Original Text ==
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+僕らにとっては質感がメロディと同じくらいに大切だ 一つ常に拘ってるのは目がくらむような感じ。これを出していきたいと思ってる めくるめくようなサウンドの質感というか、めまぐるしく変化していくような感じだね
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+ただ、曲の曖味な記憶だけが残るんだ
+自分で初めて買ったレコードはヒューマ ン・リーグの「トラヴェローグ」だという マーカス・イオインと、「地味なニュー・ ウェイヴがやりたかった」というマイク・ サンディソンが80年代中期から音楽活動を 開始。それが、ボーズ・オブ・カナダの歴 史の始まりでもある。スコットランドはエ ジンバラに拠点を置き、さまざまな変遷を 経て辿り着いた詩情溢れるエレクトロニッ ク・ミュージック。心地よいダウン・テン ポなビートに深く霧がかかったような幻想 的なサウンドスケーブで、繊細さと大胆さ の間を巧みに行き来する姿は、ここ数年の エレクトロニカ〜ポストロックの文脈で語
+られてもおかしくないはず。 多彩なツールを操りながら、エモーショ ナルかつサイケデリックな音像を描き出す マーカス＆マイク。彼らの約3年ぶりとな る新作「ザ・キャンプファイヤー・ヘッド フェイズ」が届いた（通算3作目）。これ までのアルバムよりも柔らかなギターの音 色が活かされていて、非常にオーガニック な味わいなのが印象的。今まで同様、明確 なコンセプトは提示せず、ゆっくりと浮か んでは消えるメロディがさまざまな模様と
+なって一つのサウンドに溶け込んでいく。 今回はメール・インタビューにて、その 温かくもあり衰しくもある本作の核に迫っ
+てみることにした。 -今まで以上に丸みがあって、柔らかな 光を帯びた作品ですね。こういう方向性に 辿り着いたのは、あなたたちを取り巻く環 境の変化によるものなんですか？それと
+も、内面的な変化によるものなんですか？ マーカス「前作の『ジオガディ』を完成さ せた時、かなり曲が余ってることに気付い たんだ。それらの曲を早急に完成させて、 更に数曲書き足して、新しいアルバムをで きるだけ早く出すというのが当初の計画だ った。ところが、前からずっとスタジオを 別のところに移したいと思っていて、その 候補地を探してるうちに何ヵ月も無駄にし
+ちゃってね。で、やっと新しいスタジオに
+落ち着いた頃には、だいぶ時が経っていて、 『ジオガディ』で余った曲に対する思いも 変わってしまっていた。自分たちの音楽的 な趣味は変わっていたし、結局、全てを自
+紙に戻して一から作り直すことにしたよ。 というわけで、新作はちょうど、前作に対 するリアクションのようになった。つまり 「ジオガディ」が暗くて複雑だから、それ を掃すべく、新作は純粋にメロディやサ ウンドだけを追究したシンプルなものでい
+いんじゃないかと思ったんだ」
+—1 #E "Into The Rainbow Vein" € いうタイトルにもリンクしますが、水面に 映った虹のように、サウンド全体が透明な
+色彩を帯びているように感じられます。 マーカス「テーマを語るのにあまり神秘的 な表現を使うつもりはないんだけど、僕ら がを用いる場合はさまざまな意味を含ん でる。たとえば、映像で使われる“クロマ キー”（特定の色を背景に画像を撮影して おき、その他に別な画像を重ねることで合 成を行なうもの）だったりするし、あるい は共感覚の結果として見える色だったりす る。つまり、ある音を悪くと特定な色を連 想するという感覚だ。そもそも僕は、決ま った色が決まったサウンドや環境にマッチ すると思ってる。今回のアルバムに限って いえば、たぶん自分たちはニュートラルな 空間をめていたんだと思う。暗くもな く、ハッピーでもなく、何か褪せた青緑 色のようなもの。太陽の下に放置されてい た古い空き缶のような感じかな」 また、本作には心地の好い“ゆらぎ” があります。これがあるからこそ、それぞ れの曲が豊かな表情を湛えていると思うん ですけど、この心地よさを会得するには何
+が不可欠だと考えますか？ マイク「今回は、今までと比べて曲にダイ ナミズムを出そうと意識したね。それか ら、サウンドの質感のせいでそういう風に 感じてもらえたのかもしれない。そもそも メロディというものは、楽器やスタイルを 通じて新しい解釈をどうとでも施せるけ ど、質感というものは、わりと動かしがた
+いものだと思う。僕らにとっては質感がメ ロディと同じくらいに大切だ。じゃなけれ
+ば、着メロ専門の作曲家になってるさ。 で、一つ常に拘ってるのは日がくらむよう
+な感じ。これを出していきたいと思ってる。 めくるめくようなサウンドの質感というか、
+めまぐるしく変化していくような感じだね。 音楽を夢見るのと似てるかな。ハッキリと しないし、説明もできない。ただ、曲の腹 味な記憶だけが残る。そういう感じを実際 のレコーディングで出せるよう頑張るのが
+僕らには面白いんだ」 一本作にはさまざまな質感の音が混在し てますが、全体のサウンドを整えていく段 階で、あなたたちが最も注意していること
+は何でしょう？ マーカス「マイクはメロディに注目してる ようだけど、二人とも音楽のサウンドをど れだけ突き詰めていけるかということに取 り憑かれてるね。やっぱり音楽というもの は、単純に歌を演奏するだけのことじゃな いからさ。その曲のチューニングが微かに ズレていたり、音がこもっていたり、遠の いていたり、崩れていたりすると、全く遠 うレベルの情感がき起こる。自分たちに してみれば、まるで二次元の曲が三次に なるような感じだ。で、僕なんかは、音の 凸凹した表面が感じられるようなものが好 きだな。ちょうど油絵の表面をひび割れた
+レリーフが覆っているような、あの感じ。
+ああいうのが音楽にあって欲しいんだよ」 -なるほど。僕はこのアルバムを聴いて いると何故か海を思い浮かべます。実際、
+曲の中に波の音も収録されていますし。 マイク「最近、前よりもう少し海の近くに 移ったから、そういう音はとても簡単に捨 えるんだ。二人とも海の近くで育ったし、 今回のアルバムを通じて、海岸のようなだ だっ広い空間の感覚が再び訪れたと言って
+もいいんじゃないかな」 -アナログ・シンセ、テープ・エコー、 ギターなど、本作ではいろいろな楽器や機 材が使われていると思いますが、制作して
+いる時に頻繁に使ったツールは？
+若い頃はカネがなくて思うように楽器や録音機材を買えないから
+ビール缶、プラスチック製の箱、学生鞄なんかを掻き集めてはスティックで叩いて
+そのリズムを安っぽいテープ・マシンに吹き込んだりしたよ
+録音を重ねるたびにテープの音がどんどん歪んだけど、最高のサウンドだったんだ
+マイク「今回はテープ・エコーをかなり使 ってるんだ。パッと聴いた限りでは気づか ないような箇所でも登場する。今は誰もが 簡単にエレクトロニック・ミュージックを
+作れるようになったよね。ラップトップと 50ドルのソフトウェアさえあれば、何かし らの音楽を作れる。エレクトロニック・ミ
+ュージックって実はかなり昔からあるんだ。 今のエレクトロニック・ミュージシャンや ファンの多くは最近のものだと思いこんで るようだけどね。でも、何十年も前から存
+在してるよ。
+たとえば、スティーヴィー・ワンダーが 70年代にシンセサイザーで作ったポリフォ ニックでクロマチックな音楽。あれが大好 きでね。彼はコンピューターのシーケンス を使わずに、モノシンセでマルチ・トラッ キングしてた。そうやってオーガニックな サウンドを見事に編み出していたのさ。彼 のアルバム『シークレット・ライフ』を聴 いてみると、シンセサイザーで自由に奏で た素晴らしい曲がたっぷりと入ってる。そ こには量子化されていない、近年のエレク トロニック・ダンス・ミュージックとは遠 くかけ離れたものがある。僕らも自分たち の音楽をそれと同じように捉えてるね。確 かに作ってるのはエレクトロニック・ミュ ージックだけど、今の人たちの殆どが使っ てるような仕様や技術は用いてないよ」 あなたたちは10代の頃からさまざまな 楽器を独学で学び、カセット・テープにい ろんな音を録音していたとか。当時はどん
+な音を録っていたんです？ マーカス「若い頃はカネがなくて思うよう に楽器や録音機材を買えないから、身の回 りのもので工夫するしかないよね。だから、 マルチ・トラック・テープ・レコーディン ジもどきを、複数のステレオ・テープ・レ コーダーと安物のマイクを使ってやろうと してたんだ。ビール缶、プラスチック製の 箱、学生なんかを掻き集めてはドラム・ スティックで叩いて、そのリズムを安っぽ
+いテープ・マシンに吹き込んだりしたよ。 それをまた普通にスピーカーで生して
+別の機械に録音しつつ、ピアノやら手拍子 やらアコースティック・ギターやらの音を 片っ端からオーヴァー・ダビングしていっ た。不協和音の実験みたいなものさ。何し ろ録音を重ねるたびにテーブの音がどんど ん歪んでボヤケてくるんだけど、最高のサ ウンドだったんだ。クリエイティヴな体験 だったな。とにかく、足せるものは何でも 足してた。テレビから面白いものが流れて くればテレビの音量を上げて、それをその まま録音してたね。そうやって録った曲は どれも強烈で、グチャグチャなニュー・ウ
+エイヴ・ジャムって感じだったよ」 へええ。ところで、あなたたちはエジ ンバラの山奥で暮らしてるんですよね。そ
+ういう環境で日々アートに没頭できる一。 そんな生活のいちばんのメリットは何です か？また、デメリットを感じる部分はあ
+りますか？ マーカス「いちばんのメリットは、自分の アートの居場所となる世俗的な現代文化か ら隔離された"バブル”を形成できること だ。日々、服飾店やカフェなんかで大音量 の音楽や派手な光景といった都会的な影響 下にさらされていたら、創造性が左右され て当たり前だと思う。それが悪いとは言わ ないよ。その人の音楽やアートのあり方に よるから。ただ僕らの場合、毎日そういう 環境に囲まれた状態で、ボーズ・オブ・カ ナダの世界に視覚的かつ聴覚的に集中する
+のは難しいね。だけどデメリットもある。 たまには外から適当な刺数を受けないと、 自分のアートに新たな面やアイディアが生 まれにくいんだ。て、そういう刺数は活気 のある環境にいた方が受けやすい。だから 時々、わざわざ部会の文化に身を投じる必 要があると思うんだ。あるいは、僕らがよ
+くやるように旅に出るのもいいね」 外の世界で起こっているムーヴメント とは距離を置いているあなたたちですが、 クラウデッド、ブーム・ビップ、ベックな ど、間隔は長いけど他人のリミックスは継
+続的に行なってきてますね。 マイク「リミックスの仕事については、
+ックリするくらい物りを持ってるよ。実際、
+回に1回くらしか引き受けてないしね。
+ビッグなアーティストの仕事も断わった。 忙しかったというのもあるけど、大抵は自 分たちの世界とそのアーティストの世界と
+の間に接点を感じないからなんだ。 で、その中でもベックは数少ない離れが たいミュージシャンだ。一度、取っ掛かり を掴んで理解しちゃうと、彼が出すもの全 てが欲しくなる。最近のありきたりな音楽 が溢れる海の中で、ベックは未だに素晴ら しい音楽を作るかがり火となって、新作を 出すたびにみんなをアッと言わせてくれて るんだ。彼は人気があるし、MTVでもク
+リップがしょっちゅう流れるから、中には "裏切り者”呼ばわりする人もいるけど、 勘違いも甚だしいね。そもそもベック自身 が自分をポップ・アーティストとして捉え てるんだ。無理をしてクールでアンダーグ ラウンドなところに留まろうなんて思って ない。それって、自行がある証拠だよ。弱 さとは逆だ。世の中にいるクリエイティヴ なバンドがもっとそういうアプローチを取 るようになれば、ポップ・チャートも今よ り面白くなるんんじゃないかな」
+では、最近お気に入りの音楽は？ マーカス「僕らは常に新しい音楽を見出す ようにしてるけど、最近のものも30年くら い前のような凄く古いものもまんべんなく 聴いてる。僕は、スフィアン・スティーヴ
+ンス、ビーチ・ボーイズ、ジョイ・ジッパ -、ダイクハウス、ジョン・フルシアンテ
+なんかをよく聴くね」 ーボーズ・オブ・カナダの作品は、旅を した時に味わうような特別な体験を提供し てくれると思うんですが、これからの人生、 あなたたちは音楽を通じてどんな旅をして
+いきたいと考えています？ マイク「僕は昔から音楽を超えて何かをし たいと思ってた。できれば世界中を旅し て、ワイルドな冒険をしたいね。特に、北
+極に行くチャンスがあるといいんだけど。 レコード会社に掛け合って、あそこでビデ
+オを撮らせてもらおうかな（^_^）」</onlyinclude>
 == Translated text  ==
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+For us, texture is as important as melody. One thing we always focus on is creating a dazzling feeling. We want to bring out a sound texture that feels kaleidoscopic, constantly changing. However, only a vague memory of the song remains.
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+[[Marcus Eoin]], whose first record purchase was [[wikipedia:The Human League|The Human League]]'s ''[[wikipedia:Travelogue|Travelogue]]'', and [[Mike Sandison]], who said he wanted to make "unassuming new wave," started their musical activities in the mid-80s. This marks the beginning of the history of [[Boards of Canada]]. Based in [[wikipedia:Edinburgh|Edinburgh, Scotland]], they arrived at their emotionally rich electronic music through various transformations. With a dreamy soundscape that feels deeply shrouded in mist and a pleasant down-tempo beat, their work skillfully navigates between delicacy and boldness, fitting well within the context of recent electronica and post-rock. [[Marcus]] & [[Mike]] create an emotional and psychedelic sound using a variety of tools. Their new work, ''[[The Campfire Headphase]]'', arrives after about three years (their third album overall). The soft guitar tones, more pronounced than in their previous albums, give it a distinctly organic feel. As usual, there is no clear concept presented, but melodies float up and dissolve into various patterns that meld into one cohesive sound.
+In this email interview, we delved into the warm yet melancholic core of their new work.
+{{question|This work has a rounder, softer light compared to previous ones. Did this direction come about due to changes in your environment or internal changes?}}
+{{boc|Marcus: "When we finished ''[[Geogaddi]]'', we realized we had a lot of leftover tracks. The initial plan was to quickly finish those tracks, add a few more, and release a new album as soon as possible. However, we had wanted to move our studio for a while, and ended up wasting months looking for a new location. By the time we settled into the new studio, considerable time had passed, and our feelings about the leftover tracks had changed. Our musical tastes had shifted, so we decided to scrap everything and start over. Consequently, the new work became a reaction to ''[[Geogaddi]]''. Since ''[[Geogaddi]]'' was dark and complex, we thought it would be nice to pursue a simpler approach focusing purely on melody and sound for the new album."}}
+{{question|The title "[[Into the Rainbow Vein]]" suggests a sound imbued with transparent colors, like a rainbow reflected on the water's surface.}}
+{{boc|Marcus: "I don't intend to use mystical expressions when discussing themes, but we include various meanings in our work. For example, it could be 'chroma key' used in videos (a technique where an image is shot against a specific color background and then combined with other images) or colors seen as a result of synesthesia, where certain sounds evoke specific colors. I believe that certain colors match specific sounds or environments. For this album, I think we aimed for a neutral space. Not dark, not happy, but something like a faded blue-green, like an old tin can left under the sun."}}
+{{question|This album has a pleasant "wobble," which gives each track a rich expression. What do you think is essential to achieve this comfort?}}
+{{boc|Mike: "This time, we consciously aimed to bring out dynamism in the tracks. The sound texture might have contributed to that feeling. Melodies can be reinterpreted through instruments or styles, but texture is relatively unchangeable. For us, texture is as important as melody. Otherwise, we'd be composing ringtones. One thing we always focus on is creating a dazzling feeling. We want to bring out a sound texture that feels kaleidoscopic, constantly changing. It's similar to dreaming about music—vague and indescribable, only leaving a fuzzy memory of the song. Striving to capture that in recordings is what makes it interesting for us."}}
+{{question|Your work mixes various sound textures. What do you pay the most attention to when refining the overall sound?}}
+{{boc|Marcus: "While [[Mike]] seems to focus on melody, both of us are obsessed with how much we can refine the sound. Music is not just about playing songs. A song's tuning might be slightly off, or the sound might be muffled, distant, or distorted, evoking a completely different level of emotion. For us, it feels like turning a two-dimensional song into three dimensions. Personally, I like sounds with a bumpy surface, like the cracked relief covering the surface of an oil painting. I want that in our music."}}
+{{question|I often think of the sea when listening to this album. The sound of waves is also included in the tracks.}}
+{{boc|Mike: "Recently, we moved closer to the sea, so it's very easy to record such sounds. Both of us grew up near the sea, and through this album, we've revisited the sense of wide-open spaces like a coastline."}}
+{{question|Various instruments and equipment like analog synths, tape echo, and guitars are used in this album. What tools did you frequently use during production?}}
+{{boc|"When we were young, we didn't have money to buy instruments or recording equipment, so we had to make do with what we had. We would gather beer cans, plastic boxes, and school bags, hit them with sticks, and record the rhythms on a cheap tape machine. Each time we recorded, the tape's sound would get more and more distorted, but it was the best sound ever.""}}
+{{boc|Mike: “This time, we've used tape echo quite a lot. It appears in places you might not even notice at first. Nowadays, anyone can easily make electronic music. With a laptop and $50 software, you can create some kind of music. Electronic music has actually been around for a long time. Many of today's electronic musicians and fans think it's a recent phenomenon, but it's been around for decades. For instance, [[wikipedia:Stevie Wonder|Stevie Wonder]] created polyphonic and chromatic music with synthesizers in the 70s. I love that. He made organic sounds without using computer sequences, just multi-tracking with monophonic synths. His album ''[[wikipedia:Stevie_Wonder%27s_Journey_Through_%22The_Secret_Life_of_Plants%22|Secret Life]]'' is full of wonderful tracks played freely on synthesizers. It's not quantized, and it's far removed from recent electronic dance music. We see our music in the same way. Although we make electronic music, we don't use the standard specifications and techniques that most people use today.”}}
+{{question|You've been self-taught on various instruments since your teens and recorded different sounds on cassette tapes. What kind of sounds did you record back then?}}
+{{boc|Marcus: “When we were young, we didn't have the money to buy the instruments or recording equipment we wanted, so we had to be creative with what was around us. We tried to do a kind of multi-track tape recording using several stereo tape recorders and cheap microphones. We would gather beer cans, plastic boxes, school bags, and hit them with drum sticks, recording the rhythms on a cheap tape machine. Then we would play that back through ordinary speakers and record it onto another machine while overdubbing sounds like piano, handclaps, and acoustic guitar. It was like an experiment in dissonance. Each time we recorded, the tape's sound would get more and more distorted and blurred, but it was the best sound ever. It was a creative experience. We added whatever we could. If something interesting was on TV, we'd turn up the volume and record it. The resulting tracks were intense, like chaotic new wave jams.”}}
+{{question|I see. By the way, you live in the mountains near [[wikipedia:Edinburgh|Edinburgh]]. What's the biggest advantage of being able to immerse yourself in art in such an environment? Do you feel any disadvantages?}}
+{{boc|Marcus: “The biggest advantage is that you can create a 'bubble' isolated from the secular modern culture that houses your art. If you were exposed daily to loud music and flashy scenes in clothing stores and cafes, it would naturally influence your creativity. Not that it's a bad thing—it depends on the person's music and art. But for us, it would be difficult to visually and aurally focus on the world of [[Boards of Canada]] while surrounded by that environment every day. But there are disadvantages too. If you don't get external stimuli occasionally, it's hard to generate new aspects and ideas for your art. Such stimuli are easier to come by in a vibrant environment. So sometimes, you need to immerse yourself in urban culture or, as we often do, travel.”}}
+{{question|You distance yourselves from movements happening in the outside world, yet you've continued to remix tracks for others like [[wikipedia:Clouddead|Clouddead]], [[wikipedia:Boom Bip|Boom Bip]], and [[wikipedia:Beck|Beck]], albeit infrequently.}}
+{{boc|Mike: “We are very selective about remix work. In fact, we accept maybe one out of five offers. We've even turned down big-name artists. It's partly because we're busy, but mostly because we don't feel a connection between our world and the artist's world. [[wikipedia:Beck|Beck]] is one of the few musicians we find hard to resist. Once you get a grasp of his work, you want everything he puts out. In a sea of mundane recent music, [[wikipedia:Beck|Beck]] continues to produce amazing music that surprises everyone with each new release. He's popular, and his clips often play on MTV, so some people call him a 'sellout', but that's a huge misunderstanding. [[wikipedia:Beck|Beck]] sees himself as a pop artist. He doesn't force himself to stay cool and underground. That shows self-confidence. If more creative bands took that approach, the pop charts would be more interesting.”}}
+{{question|So, what music are you into lately?}}
+{{boc|Marcus: “We always try to discover new music, but we listen to a mix of recent stuff and very old stuff from around 30 years ago. I often listen to [[wikipedia:Sufjan Stevens|Sufjan Stevens]], [[wikipedia:Beach Boys|Beach Boys]], [[wikipedia:Joy Zipper|Joy Zipper]], [[wikipedia:Dykhouse|Dykehouse]], and [[wikipedia:John Frusciante|John Frusciante]].”}}
+{{question|[[Boards of Canada]]'s work provides a special experience similar to traveling. What kind of journey do you want to take through music in the future?}}
+{{boc|Mike: “I've always wanted to go beyond music. Ideally, I'd like to travel the world and have wild adventures. I'd love to go to the [[wikipedia:Arctic|Arctic]], for instance. Maybe I'll talk to the record company and get them to let us shoot a video there (laughs).”}}</onlyinclude>
 == Scans  ==